Entre le Xe et le XIIe siècle, les carmina d’Horace étaient chantés dans les monastères, préservant la voix de la poésie classique au sein de la culture médiévale.

Dans cet enregistrement, Stefano Albarello ressuscite quatorze de ces odes, reconstruites à partir d’anciennes notations neumatiques, auxquelles s’ajoute une mélodie unique tirée de l’Eunuque de Térence.

Vocem cum cithara dedit révèle un monde oublié où le vers latin, le rythme et la mélodie se fondaient en une seule expression — l’écho vivant de l’Antiquité résonnant à travers le Moyen Âge.

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Dans Le Nuove Musiche, la voix d’une grande expressivité de Furio Zanasi et le jeu magistral du théorbe de Xavier Díaz-Latorre confèrent une profondeur nouvelle à la musique novatrice de Giulio Caccini et de Heinrich Kapsberger. L’esthétique radicale de Caccini — qui place l’intelligibilité du texte au centre, confie à la mélodie la charge du sens expressif et réduit l’accompagnement à un basso continuo à la fois discret et puissamment évocateur — s’y manifeste avec une clarté remarquable.

Zanasi et Díaz-Latorre révèlent à quel point la nobile sprezzatura di canto de Caccini était véritablement innovante : une manière de chanter libre, proche de la déclamation parlée, façonnée par la rhétorique, dans laquelle la force émotionnelle du texte guide directement le geste musical. Entre leurs mains, poésie et mélodie s’entrelacent en une seule ligne expressive, exactement comme Caccini et la Camerata florentine l’avaient conçue.

Chaque piste entraîne l’auditeur dans un univers sonore d’une grande vivacité, où la beauté intemporelle et l’audace inventive du premier baroque prennent vie, offrant une perspective à la fois renouvelée et profondément ressentie sur un moment charnière de l’histoire de la musique — une expérience d’écoute particulièrement convaincante pour tous les amateurs de musique ancienne.

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Franz Liszt fut un compositeur qui ne cessa de revisiter et de réinventer ses propres œuvres, laissant derrière lui de multiples versions révélatrices de l’évolution de son art. Ses 12 Grandes Études (S. 137), transformées par la suite en Études d’exécution transcendante (S. 139), illustrent de manière exemplaire ce processus créatif. Issues de l’Étude en douze exercices (1826), ces études retracent l’itinéraire de Liszt, du prodige au visionnaire, tout en repoussant les limites tant pianistiques qu’harmoniques. Bien au-delà de simples démonstrations de virtuosité, ces Études incarnent une fusion entre une pensée musicale d’une grande profondeur et des exigences techniques extrêmes — raison pour laquelle elles demeurent rarement enregistrées. Ce nouvel enregistrement, le tout premier réalisé sur un instrument historique, apporte un éclairage inédit sur l’une des réalisations les plus audacieuses de Liszt.

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Conversations et musique se prolongeant jusque dans les premières heures du matin : c’est sans doute ainsi qu’il faut se représenter la soirée du 17 août 1722, à la résidence de Rudolf Franz Erwein von Schönborn, au château de Wiesentheid.
« Ils restèrent jusqu’à cinq heures du matin, puis se retirèrent », rapporta le comte le lendemain à son frère, le prince-évêque de Wurtzbourg, qui lui avait envoyé ses musiciens de cour.
Ils venaient d’Italie et comptaient parmi eux l’éminent hautboïste Giovanni Benedetto Platti.
Aux côtés de Clara Blessing, son ensemble recrée cette soirée singulière de pratique musicale entre amis (Unter Freunden), à travers des chefs-d’œuvre italo-allemands du XVIIIᵉ siècle.

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Spiegelungen réunit l’Offrande musicale de Bach, les Canonic Inventions de Viktor Kalabis et le Royal Theme d’Isang Yun dans un saisissant dialogue à travers le temps et la culture.
Au centre se trouve le canon : pour Bach, une démonstration de maîtrise contrapuntique ; pour Kalabis, une exploration moderne de l’invention et de la liberté expressive ; pour Yun, une méditation façonnée par la philosophie taoïste et les sonorités coréennes, réfractée à travers la tradition européenne.
NeoBarock joue sur instruments d’époque, créant un univers sonore vibrant où la rigueur intellectuelle rencontre la résonance poétique.
En les plaçant en dialogue, NeoBarock invite l’auditeur à entendre des idées intemporelles se refléter et se transformer — une résonance entre passé et présent qui éclaire l’un et l’autre.

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Veuillez découvrir le premier enregistrement complet du Leuven Chansonnier !

En 2015, la Fondation Alamire, centre international de recherche musicale aux Pays-Bas, a été sollicitée par un historien de l’art mandaté par un marchand d’art afin d’obtenir des conseils musicologiques sur un petit manuscrit musical. Des recherches plus approfondies ont rapidement révélé son importance : le manuscrit a été identifié comme un chansonnier du XVe siècle jusqu’alors inconnu. Comme il n’a pas été possible de déterminer qui était son propriétaire d’origine, il a été baptisé « Leuven Chansonnier », d’après son nouvel emplacement à la Library of Voices, l’un des bâtiments que la Fondation Alamire utilise sur le site historique de l’abbaye de Park à Louvain (BE). La collection est d’une valeur exceptionnelle. Elle comprend 50 compositions, dont une œuvre sacrée et 49 chansons françaises, dont 12 ne sont conservées dans aucune autre source. Bien qu’aucun des compositeurs ne soit nommé, 26 œuvres ont pu être attribuées, grâce à d’autres sources, à des représentants éminents de la polyphonie franco-flamande du XVe siècle, tels que Johannes Ockeghem, Antoine Busnoys et Firminus Caron. Les auteurs des 24 chansons restantes sont pour l’instant anonymes.

Le Sollazzo Ensemble est un groupe acclamé par la critique qui se consacre à l’interprétation de la musique du Moyen Âge et de la Renaissance. Fondé en 2014 par Anna Danilevskaia, l’ensemble est réputé pour ses interprétations expressives, sa sonorité unique et son approche façonnée par les influences musicales et les personnalités variées de ses membres. À partir d’un répertoire historique et de critères d’interprétation solides, le groupe cherche à transmettre les émotions qu’il a lui-même ressenties ou à exprimer des idées qui lui tiennent à cœur. Ce processus d’appropriation d’artefacts historiques à travers plusieurs couches de travail créatif rigoureux constitue la base de la communication avec le public, car les membres de l’ensemble souhaitent donner à chaque pièce une voix qui reflète à la fois les racines historiques du matériau et la vision unique de l’ensemble.

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En 1729, le poète noble Annibale Marchese (1686–1753) publia Tragedie Cristiane, un recueil remarquable de dix pièces de théâtre en italien. Influencés par Racine, Corneille, Voltaire et la tradition classique, ces drames novateurs trouvent leurs racines profondes dans la pratique théâtrale jésuite. Pour réaliser sa vision, Marchese engagea dix des compositeurs les plus talentueux de son temps, maîtres de l’école dite napolitaine. Leurs airs strophiques, souvent accompagnés d’un clavecin obligé, reflètent le style unique de chaque compositeur. Cet enregistrement comprend également des danses instrumentales inédites issues de productions théâtrales jésuites de l’époque.

Stile Galante, sous la direction de Stefano Aresi, est un projet culturel néerlandais-italien dédié à la musique italienne du XVIIIe siècle, lancé en 2010. Le projet vise à associer recherche académique et pratique de l’interprétation, en mettant l’accent sur la musique vocale. En se consacrant à un répertoire souvent ignoré ou mal compris, l’ensemble fait redécouvrir des œuvres d’une rare beauté et incite les musiciens comme le public à se replonger dans un langage musical et un goût qui sont aujourd’hui souvent adaptés de manière trop radicale à des attentes qui n’ont rien à voir avec l’histoire.

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Au XXe siècle, les compositeurs Erik Satie, Francis Poulenc et John Cage ont chacun créé une pause dans la musique – une césure – en explorant les contrastes de la vie : le bruit du monde extérieur et le silence de la réflexion intérieure.

Satie a su équilibrer le charme du cabaret avec une touche méditative. Poulenc a révé- lé le charme et le désespoir sous-jacent du cabaret avant de se tourner vers la musique sacrée. Cage a rompu avec la tradition, utilisant une simplicité expérimentale pour attirer les auditeurs vers l’intérieur et stimuler une écoute plus profonde.

Un voyage vers l’ intérieur – un espace pour écouter.

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Composées entre 2006 et 2010, les Nanosonatas de Frederic Rzewski forment un cycle de 56 courtes pièces pour piano, réparties en huit livres. Conçues dans le prolongement de son vaste ouvrage The Road, ces sonates se tournent vers la concision, la retenue et une esthétique de l’inachevé. Chaque nanosonate offre un aperçu fugace — elle suggère de vastes idées, puis s’interrompt brusquement, comme un personnage de Tolstoï esquissé en quelques lignes.

Malgré leur brièveté, les Nanosonatas présentent une remarquable diversité : des échos de Scarlatti, Schumann, Chostakovitch, des mélodies populaires, des chants de protestation, et même des gestes inspirés de la boxe composent un univers sonore riche et imprévisible. À la fois personnelles et philosophiques, elles revendiquent l’imperfection comme esthétique, refusant la clôture tout en méditant sur le temps, la mémoire et la fragilité.

Rzewski considérait ces œuvres comme parties intégrantes d’une tradition vivante du clavier — de Frescobaldi à aujourd’hui — et dans la continuité de la lignée des compositeurs-interprètes. Le pianiste Daan Vandewalle, l’un de ses plus proches collaborateurs et dédicataire de plusieurs pièces, en est un interprète d’une autorité singulière. Ses interprétations, nourries par des années de dialogue artistique, révèlent aussi bien la subtilité intime que l’élan radical de cette œuvre maîtresse de la maturité

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Œuvre monumentale du répertoire contemporain pour piano, The Road de Frederic Rzewski est un cycle de près de neuf heures composé entre 1995 et 2003. Conçu comme un « roman pour piano », il mêle narration, improvisation, réflexion politique et virtuosité à travers 65 pièces. Entre jazz, musique folklorique, Tolstoï et Gogol, Rzewski trace une route musicale aussi imprévisible que la vie elle-même.

Le pianiste Daan Vandewalle, proche collaborateur de Rzewski et dédicataire de nombreuses œuvres, en propose une interprétation éclairée par des années d’échange avec le compositeur. Une lecture profonde et engagée, à la hauteur de cette œuvre radicale et profondément humaine.

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